CINE CLUB CIERRA MES DE OCTUBRE CON

CIUDADANO KANE DE ORSON WELLES

Ciudadano Kane (‘Citizen Kane’, 1941), probablemente la más famosa del actor y director. Pasará a la historia por ser un debut que su director difícilmente ha superado, sin por ello dejar de tener el espíritu de la opera prima.

Impresionante retrato de un magnate y del mundo que le rodea. El protagonista, Charles Foster Kane, era un trasunto de William Randolph Hearst, quien encolerizó y montó una campaña en contra de la película. De hecho, Rosebud, la misteriosa palabra que finalmente correspondía a SPOILER una inscripción en su trineo como metáfora de una infancia que nunca llegó a tener FIN DEL SPOILER se dice que representaba otra cosa perteneciente a Hearst que no voy a concretar, pero que probablemente podréis encontrar en alguna página web.

‘Ciudadano Kane’ está interpretada por Orson Welles, Joseph Cotten, Dorothy Commigore, Everett Sloane y Ruth Warrick.

EL PROCESO DE ORSON WELLES

EL Proceso es una película de 1962 basada en la novela de Franz Kafka es un verdadero regalo para los sentidos; no podría decir placer, ya que las emociones que provoca son de todo menos relajación y tranquilidad, pero sí viene acompañada de un buen cargamento de balas sensoriales.

Orson Welles trabaja con suma perfección la paranoia y la angustia que trasmite la trama, surreal y absurda y que, al mismo tiempo, muestra la opresión producida por una sociedad burocratizada.

Una imagen que, aunque loca y desbordante, está cuidada al mínimo detalle, una iluminación con la que juega con gran acierto, un ambiente creado con absoluta maestría, un montaje asfixiante, picados, contrapicados y gran angular y, en definitiva, el maravilloso manejo de la estilística que caracteriza a Orson Welles. Comienza con un prólogo basado en el relato corto “Ante la ley” de Kafka, utilizando imágenes de forma similar a las diapositivas, y termina de una forma parecida, presentando a los actores y despidiéndose, con fotogramas que cierran el círculo fílmico.

La interpretación es magistral: Anthony Perkins, Romy Schneider, Jeanne Moreau, Elsa Martinelli, Akim Tamiroff y el mismo Welles en el papel de abogado hacen de “El proceso” una verdadera obra maestra.

Quizá sea uno de los mejores documentos cinematográficos del director, “El proceso”, en el que un hombre se despierta una mañana y encuentra a la policía en su habitación, acusado de un crimen del que probablemente nunca conocerá su origen. Desde el momento en que empezamos el visionado estamos condenados a no movernos y a no mirar hacia otro lugar, la trama engancha, con su esquizofrenia y frenética, hasta un final todavía más loco en el que la duda no nos dejará de aturdir.

“El proceso” es arte, no se puede describir de otra forma; bueno, quizá sí, “El proceso” es Orson Welles.

MES DE OCTUBRE

SED DE MAL DE ORSON WELLES

Touch of Evil, conocida en idioma castellano como Sed de Mal es una película del año 1958 dirigida por el estadounidense Orson Welles.

Sinopsis

Mike Vargas y Susan Vargas son una pareja de recién casados formada por un policía mexicano y su mujer estadounidense que interrumpen su viaje de luna de miel después de presenciar en la frontera la explosión de un auto conducido por un mafioso de la droga.

El caso lleva al policía Vargas a trabajar en la investigación junto a Hank Quinlan; un corrupto y obeso jefe de la policía estadounidense, que no duda en fabricar pruebas falsas para acusar a un joven que él cree culpable de colocar la bomba. Vargas sabe que las pruebas no son reales e inicia su propia investigación, donde descubre que Quinlan y unos mafiosos fronterizos están directamente relacionados con el asesinato.

Susan cae en las manos del grupo de mafiosos fronterizos. La mujer es drogada y usada para desprestigiar al correcto Vargas, con el fin de que este desista de su investigación. Vargas inicia una carrera contra el tiempo en la que acumula las pruebas suficientes para desenmascarar al sucio jefe Quinlan y así salvar a su esposa.

Al final, Tana una misteriosa y enigmática gitana que en el pasado tuvo una relación con Hank Quinlan, presagia el triste y fatídico final de éste.

SINOPSIS Y COMENTARIO

MAJESTUOSA EXHIBICIÓN
Dreams de Akira Kurosawa
presentado por el Cine Club UniNorte

La película explora lo que es la inocencia, la naturaleza, la ecología, la guerra, el arte y la esperanza. Son sueños bellamente filmados y además exponente de lo rica que es en sí misma la mitología oriental, con todos sus demonios y sus espíritus que en variadas ocasiones durante la cinta le muestran a los humanos lo que puede llegar a ser el futuro.


Esta película se filma en una época de variados cambios en el mundo, llámese, la caída del muro y el ocaso del comunismo, por lo cual no sería antojadizo ver este trabajo de Kurosawa como una especie de visión futura y catastrófica de lo que pudo llegar a ser el planeta de haber continuado bajo el rigor de la guerra ideológico que hasta ese momento libraba Estados Unidos y los rojos personificados en las figuras de la URRSS y de Cuba, que a pesar del paso de los años sigue siendo el único bastión viviente del comunismo (Eso hasta que se muera Fidel). Además de ser realizada tres años después del desastre de Chernobyl, el cual aún después de 20 años continúa mostrando las consecuemcias que acarreó.

Uno de los sueños "El monte Fuji en rojo", retrata lo cruenta que es la escapatoria de un pueblo que se ve enfrentado a la muerte inminente luego de que las plantas nuecleares que hay en el lugar explotaran, estos son dos diálogos extraídos de la película... juzguen ustedes mismos que mensaje nos dejan:

"Las nubes... La roja es de plutonio 239, un décimo de millón de gramo provoca cáncer. La amarilla es de Estroncio 90, se te mete dentro y causa leucemia. La violeta es de celsio 137, afecta la reproducción. Causa mutaciones, engendra monstruosidades.
La estupidez humana es increíble, la radioactividad era invisible y, por ser peligrosa, le pusieron colores. Eso sólo sirve para saber cual de ellas te mató. Es la tarjeta de presentación de la muerte."

"Nos dijeron que las plantas nucleares eran seguras. El peligro son los errores humanos, no la planta en sí misma."

Estos son los sueños:

1.La luz del sol a través de la lluvia: Hermoso, personifica al secreto y la inocencia
2.El huerto de los duraznos
3.La ventisca
4.El túnel
5.Cuervos: Este es lejos mi sueño favorito... Mucha música de Chopin, exploración de la obra de Van Gogh, que es el único pintor del cual tengo posters y posters de sus obras tapando las paredes de mi habitación. Cabe mencionar como curiosidad que en este sueño el mismo Kurosawa actúa personificando nada más ni nada menos que al maestro Vincent.
6.El monte Fuji en Rojo
7.El demonio que llora
8.La villa de los Molinos de agua: Es este último sueño el que nos muestra cual es el real sentido de la vida, encerrado en una moraleja que nos deja pensando en cual es el camino que debemos tomar, si el de la modernidad y todas las comodidades que ello conlleva o el de la sencillez, la cual es más dura de sobrellevar, pero al final es la única que te deja los ojos libres para ver más allá del poder: "Después de trabajar toda la vida hay que morir agradecido" dice un anciano al viajero que recorre la Villa, por eso es que la muerte, más que una tristeza, debe ser vista como una alegría.

ESTUDIO DE OBRAS DE AKIRA KUROSAWA

RASHMONOSON DE AKIRA KUROSAWA

Noche de cine en UniNorte

Akira Kurosawa dibuja a través de una expresiva y elegante fotografía, la filosofía precisa para contar una historia con múltiples caminos. E

El desarrollado lenguaje rítmico en el guión, permite al maestro dar forma a una película donde la paciencia conecta con la sabiduría de los personajes, y todo el ejercicio cinematográfico lentamente comienza a tomar dimensiones bíblicas.

Una pregunta universal funciona como el núcleo del film, y dicha interrogante es tan poderosa que mueve la trama dentro de la película misma, y las posibilidades de la verdad tienen tantas caretas que es imposible saber cuál es la correcta.

Bajo la lluvia salvaje, en un escenario que pareciera ser el fin del mundo, un templo destruido y abandonado en el infinito mismo, tres aldeanos discuten acerca de una fantástica historia que guarda resquicios en su original versión, dando paso al mismo cuento visto desde diferentes perspectivas, un metalenguaje soberbio por parte de Kurosawa, quién con lograda determinación logra capturar el testimonio hasta de los espíritus - a través de un médium.

Sencillamente excepcional. Una obra que influiría rotundamente en el cine norteamericano, y que marcaría con firmeza la presencia de unos de los directores más grandes del siglo pasado.

UNA DE LAS PELICULAS MAS EMBLEMATICAS

IKIRU DE AKIRA KUROSAWA

un homenaje a la vida

"Ikiru ", es una de las grandes realizaciones de Akira Kurosawa, una de sus cintas imprescindibles, altamente apreciada y alabada tanto por la crítica como por los incondicionales seguidores del arte del Emperador del cine japonés.

Sin embargo, es uno de los trabajos de Kurosawa menos conocidos por el gran público. "Ikiru" es una historia corriente, normal, que habla de las situaciones ordinarias, y de la desesperación de personajes comunes y contemporáneos ante el advenimiento de la tragedia.

La apuesta es valiente, y no porque fuera la primera vez que Kurosawa recogía en sus fotogramas el drama de la angustia existencialista del hombre de hoy.

En este sentido, es tan elocuente como grotesco el chiste que circula por la oficina y que Toyo Odagiri lee a sus compañeros al inicio de la película: “Nunca he cogido un día libre porque no quiero que se den cuenta de que pueden arreglárselas sin mí”.


Quedan denunciadas la excesiva jerarquización de las instituciones públicas y la infravaloración de cualquier iniciativa individual que no salga de la cabeza los principales cargos públicos, así como la fastidiosa política de “escurrir el bulto”, que redunda en una lamentable atención al ciudadano. Aun hoy, pocos directores hay en Japón que se atrevan a atacar con tanto acierto y sutileza a la vez a las administraciones niponas y las relaciones laborales, dos dimensiones de la sociedad japonesa que siguen gozando de un carácter casi tabú para la mayoría de los creadores del país del Sol Naciente.

El elemento temático central del filme es la angustia existencial de Kanji, un hombre que ha descubierto al final de sus días que no ha sido nada y que, si no pone remedio urgentemente, morirá sin ser nada, sin que su existencia quede revestida del necesario lustre trascendental para poder decir que vivió y que su paso por este mundo importó. Cuando vemos películas como Vivir, asistimos a una exposición brillante y contrastada sobre la miseria y la grandeza del hombre de hoy: el “no somos nadie” batiéndose en crudo duelo con el “todo es posible si nos lo proponemos”. Y es que eso es, en definitiva, vivir. Ni más ni menos.

EN EL MES DE SEPTIEMBRE

HOMENAJE A CINEASTA NIPON

Los Siete Samurais de Akira Kurosawa

La expresión cinematográfica de Los Siete Samurai de Akira Kurosawa, narra la historia de unos Samurai que viven su vida bajo ciertos lineamientos especiales, en donde su valor, honor y coraje logran que un grupo de granjeros recupere la tranquilidad en su vida haciendo uso de varios estilos y de una sistema narrativo clásico para la mejor comprensión del relato, resaltando en con cada elemento cinematográfico el esfuerzo de cada uno de ellos y sus características que buscan crear un vinculo con el espectador por medio de personajes bien desarrollados por los actores y director. Por lo que me parece interesante observar como estos elementos se complementan para lograr dar sentido a la lucha de justicia que se emprende por estos samurais resaltando como tema principal el valor y honor del samurai.

CINE CLUB UNINORTE

Luis Buñuel en Belle de Jour

Belle de Jour de Luis Buñuel (1966) presenta muchas de las constantes buñuelianas: la confusión entre realidad, ficción y deseo, el poder de los objetos, el erotismo, los símbolos oníricos, etc. Asimismo, también contiene algunos elementos surrealistas y de vanguardia.

Belle de Jour narra la historia de un matrimonio acomodado en el que la mujer, Severine, es incapaz de hacer el amor con su marido y rechaza su proximidad hasta el punto de dormir en camas separadas.

Ambos tienen un matrimonio amigo y la mujer le cuenta a Severine que una amiga común de ambas se prostituye por dinero. Severine queda consternada por el descubrimiento, pero poco a poco empieza a considerar la postura de su amiga y acude a Anäis, quien regenta un burdel para que la introduzca en ese mundo. Al principio, Severine es reticente y pone la condición de quedarse sólo medio día, por lo que sus compañeras la apodan Belle de Jour (Bella de Día).

En el burdel conoce a extraños personajes, como el coreano o el duque necrófilo, hasta que la descubre un amigo de su marido (quien se le había insinuado a Severine) y amenaza con contárselo. Ante esto, Severine se despide de su vida de prostituta, pero no contaba con que Marcel, uno de los clientes habituales del burdel se ha enamorado de ella y la sigue hasta su casa. Al enterarse de que está casada, dispara contra su marido.

El final se torna confuso hasta el punto de no distinguir bien la realidad y la ficción, pero al final se nos muestra cómo Severine ha superado sus obsesiones y parece dispuesta a entregarse a su marido.

EN EL MES DE AGOSTO TRIBUTO A LUIS BUÑUEL

Los olvidados de Luís Buñuel

En su quinta exhibición consecutiva el Cine Club UniNorte presentó la película Los Olvidados (1951) del afamado director español, Luis Buñuel.

Filmada y ambientada en Méjico esta primera cinta que se exhibió dentro del ciclo de cuatro películas del citado autor, relata el mundo que vive una juventud desposeída, cuyas únicas alternativas son la delincuencia y la marginación. Historia que si bien fue contada por Buñuel en 1950, hoy más que nunca continúa vigente.

La cinematografía de Buñuel es considerada como una de los aportes más importantes que ha dado Latinoamérica al cine mundial.

Ha sido quizás el realizador más importante del cine de habla hispana. Su trayectoria artística la conforma 32 películas filmadas en cincuenta años convirtiendo su carrera en una de las más importantes y prolíficas de la cinematografía mundial.

Los olvidados obtuvo el premio al mejor director en el Festival de Cannes y que ha sido nombrada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

CINE CLUB UNINORTE PRESENTA
Match Point de Woody Allen
Con acceso libre y gratuito

Luego de tres proyecciones consecutivas y un auspicioso inicio con presencia de numeroso público, concluye el mes dedicado a afamado director de cine, guionista, actor, músico, y escritor estadounidense Woody Allen.

Un tenista de segunda línea que compite con los grandes, para obtener ingresos fijos decide trasladarse a Londres y dar clases en un club de tenis. Ahí conoce a un joven millonario y se hace amigo de él.

Éste le presenta a su familia y se acaba casando con la hermana. Pronto el el suegro millonario le consigue da un puesto importante en su empresa de broker. Sin embargo él lleva una doble vida. Tuvo un flechazo el día que conoció a la novia de su cuñado y tras enterarse de la ruptura de éste con la atractiva joven, se lía con ella. Llega un momento en que la situación es insostenible. Ella se queda embarazada y él se plantea dos opciones:

1) Contarle la verdad a su mujer e irse con su amada para formar una familia con el hijo que viene.

2) Quedarse con la mujer con la que se ha casado disfrutando así de todas las ventajas que tiene pertenecer a una familia bien y ser un respetable ejecutivo. Al final elige la opción 2 que sólo será viable deshaciéndose de su amada. Así que planea un asesinato. Entra en la casa de a una anciana, vecina de la joven, la mata de un tiro con una escopeta de caza, le quita todas las joyas y medicamentos y, finalmente, espera a su amante a la que dispara en el rellano de la escalera. La policía sospecha que ha sido obra de toxicómanos y que la joven muere por mala suerte, la de llegar a su casa cuando estos huían del lugar del crimen.


La trama tiene fallos y el protagonista está a punto de ser descubierto por la policía pero al final, como todo le sale redondo, gana fuerza la hipótesis de que fueron unos ladrones relacionados con el mundo de la droga y se libra. Su mujer tiene un hijo y él, libre de toda sospecha, se acaba saliendo con la suya. Vida cómoda al amparo de su mujer y familia rica.

TERCERA PRESENTACION

EN HOMENAJE A WOODY ALLEN

Cine Club UniNorte presentó Sweet and Lowdown

Tras las dos proyecciones iniciales, con asistencia de numeroso público, prosiguió la muestra cinematográfica del Cine Club UniNorte. En ls tercera entrega, se pudo disfrutar de “Sweet and Lowdown”, del afamado director de cine, guionista, actor, músico, y escritor estadounidense Woody Allen, con acceso libre y gratuito. La película formó parte de la serie de cuatro obras maestras de Allen, programada en la primera etapa del Cine Club.

“Sweet and Lowdown” está centrada en la vida de Ray Emmett, un ficticio guitarrista de jazz de los años 20. Ray es un irresponsable, arrogante y miserable ser humano, y también el mejor guitarrista del mundo. La historia recorre episodios de borracheras, pasatiempos extraños y sueños de fama y fortuna, motivados por una extraña obsesión por el guitarrista Django Reinhardt, cuya música anhela poder tocar.

Cine Club UniNorte prevé además, la difusión de producciones audiovisuales nacionales con la presencia de sus realizadores y otros referentes, a fin de impulsar el audiovisual nacional con este tipo de actividades. Este emprendimiento contempla la proyección consecutiva de consagrados referentes del séptimo arte, tales como Luis Buñuel, Akira Kurosawa, Federico Fellini y Stanley Kubrick.

SEGUNDA MUESTRA DEL CICLO DE CINE

El Cine Club UniNorte presentó Annie Hall
Con acceso libre y gratuito

El Centro de Documentación Audiovisual de UniNorte
presentó la película Annie Hall de Woody Allen. La misma es una excelente radiografía sobre el comportamiento humano y las relaciones sentimentales entre hombre y mujer.

Annie Hall propicio el salto a la fama del hoy maestro Woody Allen, por ser una joya cinematográfica sin precedentes con este filme Allen obtuvo su primer Oscar como Mejor director en 1977, además del Oscar al Mejor guión original co-escrito junto a Marshall Brickman y con ciertos toques autobiográficos.

La obra, narra las dificultades de las relaciones personales, las obsesiones morales sobre el amor, el sexo, la amistad y la fidelidad de la pareja, las dudas ante una realidad que no queremos que llegue y por consiguiente sobre la inmadurez emocional. En Annie Hall queda reflejadas a la perfección todas las irracionales relaciones sentimentales que puede sufrir el ser humano, recreando con apabullante sinceridad el día a día de una relación amorosa, con todas sus fases; porque el amor no siempre es bonito como lo pinta Hollywood, y Allen lo traza en Annie Hall con una contundencia y pasividad que inquieta.

EN EL MES DE JULIO

CINE CLUB UNINORTE PRESENTÓ

Manhattan, una película de Woody Allen

Se realizó el martes 7, a las 20 hs, en el Auditorio del Amba´y (Brasil 141 c/ Mariscal López). De esta forma el Cine Club UniNorte, dependiente de la Facultad de Estudios de Postgrado iniciba su ciclo de cine con cuatro de las mejores producciones del afamado director de cine, guionista, actor, músico, y escritor estadounidense, Woody Allen

Empeño de muchos ha sido fotografiar la vida de las calles de Nueva York y acierto de unos pocos sacar una radiografía completa de la ciudad de los rascacielos. Woody Allen lo consiguió, de hecho

‘Manhattan’ fue el primer filme de Woody Allen rodado en blanco y negro . En el se observa un excelente trabajo del director de fotografía Gordon Willis, se puede apreciar los encuadres medidos, en los planos sostenidos, en los claroscuros, incluso en esa neblina que envuelve la ciudad y que le confiere un aura entre mágica y mefítica.

En "Manhattan" se dan cita todas las inquietudes de su autor: la inseguridad, el engaño, la infidelidad, la crítica mordaz a los diletantes con ínfulas de intelectuales..., sin olvidarse de sus autores de cabecera: Bergman, Strindberg, Tolstoi, Freud, etc. Allen, por su parte, vuelve a interpretar a su alter ego: ese personaje pusilánime, hipocondríaco y sarcástico que en esta ocasión lleva el semítico nombre de Isaac Davis, tan desorientado como Alvy Singer en su infructuosa búsqueda de la felicidad. Aunque tiene buen corazón, sus dudas amorosas le hacen ser egoísta.

No sólo la cultura elitista recibe las afrentas de Woody Allen. La televisión tampoco se libra de sus corrosivas críticas. Ya en el prólogo, la voz en off del protagonista, que rehace una y otra vez el primer capítulo de su novela sobre Manhattan –la indecisión es un rasgo fundamental de Ike–, mete la televisión en el mismo saco que la basura o las drogas, entre las lacras de la sociedad. Más tarde, en un estallido de cólera, Isaac abandona su oficio como guionista de televisión cansado de ver espectáculos bochornosos. Éste no es un caso aislado dentro de su obra. Muchos de sus personajes han compartido la misma profesión, como en ‘Annie Hall’ y ‘Delitos y Faltas’. La razón es elemental: antes de dar el salto al cine, Allen trabajó como guionista de televisión, experiencia que, según parece, le marcó.

Material realizado por: Adelaida Alcaraz

Fuente: Centro de documentacion audiovisual de la Universidad del Norte